Interview mit Initiator Hans-Georg Böcher zur Kunstaustellung bei Schubert

Wie ist der Gedanke zur Ausstellung „Zeitlos.modern – Kunstwerke und Kunstobjekte um 1960“ im neuen Bürogebäude der Gerhard Schubert GmbH in Crailsheim bei Ihnen entstanden?

Der Auslöser war ein etwa hundert Jahre altes Kunstwerk, das sich seit Jahren in meinem Besitz befand. Ich hatte es irgendwann einmal auf Wunsch des mittlerweile leider verstorbenen Stuttgarter Werbe- und Design-Experten Peter Jochen Schott gekauft, da dieser Gerhard Schubert ein besonders Geburtstagsgeschenk machen wollte und dabei an ein Kunstwerk gedacht hatte. Später ist das kleine Gemälde, das eine Ansicht der Stadt Crailsheim aus der Luft zeigt, dann doch bei mir geblieben. Erst zu einem späteren Zeitpunkt ergab sich durch einen persönlichen Termin mit Ralf Schubert ein anderer Anlass für eine Reise nach Crailsheim. Dabei kam mir spontan der Gedanke, das Gemälde der Familie Schubert zu schenken, denn ich hatte das Gefühl, dass es in die Hände derjenigen gehören sollte, die die Stadt Crailsheim durch ihre unternehmerische Tätigkeit so entscheidend geprägt haben. Am Firmenstammsitz von Schubert angekommen, stachen mir sofort die wunderschönen neuen Bürogebäude mit ihren hellen Tageslichträumen ins Auge, bei denen gerade noch die letzten Arbeiten ausgeführt wurden. Relativ spontan hatte ich auf einmal die Idee, dort eine Ausstellung zu veranstalten und das schöne Gebäude mit dem Geist der Kunst zu erfüllen.

Was verbindet Sie persönlich mit der Gerhard Schubert GmbH?

Die Geschichte der Gerhard Schubert GmbH ist eng mit dem deutschen Verpackungsmuseum verknüpft, dessen Vorsitzender ich bin. Die Hintergründe sind wie folgt: Die eigentliche Gründung des ersten Verpackungs-Museums der Welt fiel – nach einer ersten Eintragung im Vereinsregister 1993 – in die Mitte der 1990er Jahre. Damals erschienen Verpackungen etwas sehr Profanes zu sein, welche den Planeten beschmutzten und kaum einer musealen Betrachtung würdig sind. Die Rolle der Verpackung als Exponent (und Exponat) der Markengeschichte, beispielsweise von bekannten Marken wie Nivea oder Maggi, war völlig aus dem Blick geraten. Dabei eröffnen historische Verpackungen spannende Einblicke in Konsumverhalten, Design- und Kulturgeschichte von Epochen und Völkern. Ich war mir dieser Tatsache bewusst, weil ich gerade ein Buch darübergeschrieben hatte, das 1996 erschien. Aber für ein Museum mussten, das war mir klar, Unterstützer aus der Industrie gefunden werden. Einen der ersten Verbündeten fand ich in Gerhard Schubert. Er war von der Idee eines Verpackungsmuseums sofort überzeugt und flog deshalb sogar in seinem Privatflugzeug eine kleine Gruppe von rund sieben Industrievertretern von Leipzig bis Köln in verschiedene Städte, um den idealen Standort zu finden. Als ich 1996 meinen ersten Geschäftsführervertrag für das damals utopisch erscheinende Projekt erhielt, hatte ich außer Gerhard Schubert fast keine Industriekontakte und Fürsprecher, auf die ich bauen konnte. Er jedoch hatte von Anfang an eine Vision für die Zukunft von Verpackungen, da er gleichzeitig auch eine Leidenschaft für ihre Vergangenheit besaß.

Wären Verpackungen und andere Konsumgegenstände aus dieser Zeit nicht naheliegender gewesen als Fokus der Ausstellung?

Nein, mein Gefühl war, dass dieser Ansatz zu naheliegend gewesen wäre. Vielleicht kann ich Verpackungen und Konsumgegenstände aus dieser Epoche bei einer anderen Gelegenheit präsentieren. Beispielsweise zeige ich momentan eine Ausstellung aus meiner Privatsammlung mit Verpackungsdesigns der 1960er Jahre in Konstanz im Stadtmuseum „Turm zur Katz“. Ich schätze nach wie vor das Verpackungsdesign als Spiegel der Epoche und verfüge über genügend Exponate. Aber ich hatte den Eindruck, dass in dem von Ingenieursgeist geprägten neuen Firmengebäude Kunst einziehen müsse, damit es komplett wird. Dabei dachte ich nicht an lokale Künstler aus Crailsheim, sondern explizit an einzeln ausgesuchte Werke, die auf die ambitionierte Architektur eine spannende und mindestens gleichrangige Antwort geben können.

Wie spielen Kunst, Technik und Gegenstände des täglichen Gebrauchs einer Epoche zusammen?

Im Grunde durchzieht eine Epoche ein durchgängiger Zeitgeist. Künstler, die es nicht verstehen, diesen zu prägen oder zumindest zu formulieren, laufen der Gegenwart hinterher. Das nennt man dann schwache Kunst. Der Maßstab für Qualität ist also, Vorreiter zu sein, nicht das handwerkliche Können, das heute vorausgesetzt wird. Darum sind die Werke Avantgarde, weil die Künstler zum Zeitpunkt ihrer Entstehung mutig genug waren, auch Kopfschütteln und Ablehnung hervorzurufen. Es ist teilweise unfassbar, festzustellen, dass sie Jahrzehnte auf dem Buckel haben. Wer so etwas erst heute anfertigt, hat den Zug schon wieder verpasst.

In den 1960ern waren Feuer und Lava sowie die Eroberung des Weltraums große Themen, die auch in Science-Fiction-Serien und -Filmen integriert wurden, beispielsweise in der Verfilmung „Raumschiff Enterprise“ ab 1966. Die bekannten „Lavalampen“ erzeugten blubbernde Blasen; Keramikvasen hatten eine Schaumglasur, die als „fat lava“ bezeichnet wird. Und in den begeistert beobachteten Vulkanen sah man natürlich das Innere von Gestirnen oder die Krater auf der soeben erst betretenen Oberfläche des Mondes. Die in der Ausstellung gezeigte Tischleuchte „Éclipse“ versteht sich als kleine, leuchtende Mondkugel und bietet dem Nutzer die Möglichkeit, durch einen verstellbaren Schatten sogar die Mondfinsternis nachzuspielen. Die aufsteigenden Opalglas-Kugeln der „Kaskade“ von Goffredo Reggiani erinnern an Planeten. Der Couchtisch aus der „Starburst“-Edition von „Belarti“ (Julien de Covemaeker) zeigt in einem großen keramischen Kunstwerk das Motiv implodierender Sterne. Hier werden Grenzen verwischt, das Möbel wird plötzlich zum bewohnbaren Kunstwerk. Im Reliefbild „Erdkräfte“ schieben sich tektonische Platten so aufeinander zu, dass in der Bildmitte ein Loch aufgerissen wird. Das schwarze Loch hat der Künstler, wie man von hinten erkennen kann, tatsächlich mit einem Flammenwerfer bearbeitet. Die Fugen und Risse der Platten sind nicht nur aufgemalt, sondern wurden mit roher Gewalt in dem massiven Trägermaterial absichtlich hergestellt. Alles sollte so echt sein wie möglich. Aus dem fühlbaren Druck der Erde leitet sich das Feuer her. Es ist die Fähigkeit der Kunst, die Faszination ihrer Epoche zu erkennen und mit Vehemenz auszuleben.